miércoles, octubre 04, 2006

Produccion 2 - Resumen de Produccion en TV

Producción de TV

La persona que generalmente está a cargo de la producción completa es el productor--el jefe de jefes. El o ella define el concepto general del programa, calcula el presupuesto de producción y toma las decisiones mayores. Esta persona es el "Gran Jefe", el líder del equipo, trabaja con los escritores, decide el talento principal, contrata al director y guía la dirección general de la producción. En producciones menores el productor también toma cargo de cosas mas mundanas. Y en el caso de las producciones mas pequeñas, el director ( a definir más abajo) puede también asumir las responsabilidades del productor. En este caso la dualidad del puesto se llama productor-director. Algunas producciones pueden contar también con un productor asociado, quién se encarga de arreglar las citas para el talento, el personal y en general, asiste al productor en sus labores durante la producción. En una producción mayor una de las primeras labores del productor es contratar un escritor para que un guión pueda ser elaborado (el documento que indica a todo el mundo qué hacer, qué decir, etc.). El guión es como una especie de plan escrito o el plano de una producción.
Normalmente el talento para la producción sería la siguiente cuestión considerada por el productor. El talento incluye actores, reporteros, anfitriones, invitados y narradores en off--cualquiera cuya voz es escuchada o aparece en cámara. (Con o sin talento, el talento es siempre denominado como tal.) Algunas veces el "talento" es clasificado en tres sub-categorías: actores (quienes representan personajes en producciones de corte dramático), conductores (quienes aparecen a cámara en papeles no dramáticos), y locutores (quienes usualmente no aparecen a cámara). En una producción mayor el productor será responsable de la contratación de un director. Este es la persona a cargo de revisar los detalles de preproducción (antes de la producción), coordinar las actividades del staff y el talento a cámara, definir las posiciones de las cámaras y el talento, seleccionar las tomas durante la producción y supervisar los trabajos de post-producción. En otras palabras, el director es el comandante en el frente a cargo de llevar el guión hasta el final del proceso de producción. Asistiendo al director en la cabina de control normalmente está director técnico quien opera el video switcher (consola de video). El director técnico, o DT, es también responsable de coordinar todos los aspectos técnicos de la producción (es necesario enfatizar que las responsabilidades del personal pueden variar ampliamente en cada centro de producción). Uno o más asistentes de producción pueden ser contratados como auxiliares de productor y director. Durante los ensayos estas personas llevan notas de las necesidades y cambios en la producción, notifican al personal sobre éstos, etc. Otra persona es el director de iluminación quien se encarga de diseñar el esquema de iluminación, supervisar la colocación de los equipos y autorizar el esquema ya montado. (La iluminación puede mejorar o arruinar una producción como ya veremos.)
En algunas producciones puede haber un diseñador de set (escenógrafo) quien, en colaboración con el productor y el director, diseña el set y supervisa su construcción e instalación. A continuación puede haber un maquillador o estilista, quien con la ayuda de maquillaje, laca para cabello, o muchas otras cosas, procura que la imagen del talento sea impecable (o terrible si así lo especifica el guión). En grandes producciones podemos encontrar también un vestuarista, responsable de proveer al talento con la ropa adecuada a la historia y el guión. Un director o técnico de audio prepara el equipo de grabación, instala y verifica los micrófonos, monitorea la calidad del audio y desarma y recoge todos los instrumentos y accesorios al término de la producción. El operador de boom presencia los ensayos y decide el tipo de micrófono adecuado y su posición para cada escena. Esta persona necesita tener fuerza en los brazos para poder sostener el boom sobre los actores por largos periodos de tiempo durante una toma en locación (toma fuera del estudio). El operador de video instala el equipo de grabación y sus accesorios, ajusta las modalidades de grabación, realiza pruebas y monitorea la calidad del video. En una producción en locación el "script" (o continuista) toma notas cuidadosamente sobre los detalles de continuidad de cada escena para asegurar que éstos permanezcan iguales en escenas subsecuentes, (un trabajo más importante de lo que parece, especialmente en producciones en locación a una sola cámara). Una vez que las labores de producción han sido llevadas a cabo, el "script" es el responsable de hacer descansar a los actores después de cada escena o segmento.
El operador del generador de caracteres programa (diseña y escribe) títulos de entrada, subtítulos, y créditos finales en el equipo. Estos textos son insertados sobre la imagen durante la producción. Algunas computadoras suelen sustituir al generador de caracteres. Los camarógrafos hacen más que simplemente operar las cámaras, también ajustan y aseguran la calidad técnica de su equipo, colaboran con el director, director de Iluminación y técnico de sonido en la marca de posiciones (blocking) y realización de cada toma, y en el caso de producciones de campo se encargan de recibir, transportar y entregar su equipo. Dependiendo en el nivel de producción, puede haber un coordinador de piso quien es el responsable de coordinar las actividades en el set. El o ella puede estar asistido por uno o más asistentes de piso, a quienes pueden ser delegadas varias responsabilidades en el set. Después de que las tomas han sido completadas, los editores toman las grabaciones y ensamblan los segmentos correspondientes, agregan música y efectos sonoros y de video para crear el producto final. La importancia de la edición para el éxito de una producción es mucho mayor de lo que usualmente se piensa. Como pronto veremos, un editor puede salvar o acabar con una producción.

Las Tres Fases de Producción

El proceso de producción es comúnmente dividido en pre-producción, producción y post-producción. Existe un dicho en la producción de TV: La fase más importante de laproducción es la pre-producción. La importancia de esta fase es usualmente admitida después de que las cosas han salido mal; entonces las personas hubiesen deseado apegarse a este axioma desde un principio.

La Fase de Pre-producción

En la pre-producción las ideas básicas y propuestas de producción son desarrolladas y puestas en práctica. Es durante esta fase que la producción puede ser encaminada por el rumbo correcto o desviada en tal extremo que no habrá tiempo, talento o habilidad de edición que más adelante pueda salvarla.



El Objetivo Principal
"Viaje a las Estrellas" (Star Trek) tiene su objetivo principal; la producción de TV también lo tiene: Alcanzar a la audiencia destino. Para que un programa sea exitoso, las necesidades, intereses y hábitos generales del target (el público que la producción pretende alcanzar) deben ser estudiados y tomados en cuenta durante cada fase de la producción. Mientras mejor se lleve a cabo esta labor, mayor será el éxito del programa. Para que su programa tenga un efecto valioso y duradero, la producción debe en alguna forma de "tocar" al público emocionalmente. Esta parece ser la clave del éxito y requiere de mayor explicación, cosa que haremos más tarde. Durante la pre-producción no solamente se decide quién será el talento principal y el personal de producción, también todos los elementos principales son planificados. Debido a que asuntos como el diseño escenográfico, la iluminación y el sonido están interrelacionados, éstos deben ser coordinados en una serie de juntas (o reuniones) de producción. Una vez que todos los elementos primordiales están en su lugar, los ensayos pueden comenzar. Un simple segmento en locación puede requerir una rápida revisión de las posiciones del talento para que los movimientos de cámara, el equipo de audio y de iluminación puedan ser vistos en funcionamiento. Una producción compleja puede requerir muchos días de ensayo. Estos generalmente inician con una lectura en seco, donde el talento se reúne con el personal clave de la producción alrededor de una mesa para dar lectura al guión. La mayoría de las modificaciones del guión se hacen en esta fase. Luego se pasa a un ensayo general (con vestuario). Aquí el talento utiliza el vestuario asignado y todos los elementos de producción se encuentran en sus posiciones. Esta es la última oportunidad para el personal de producción de resolver cualquier problema pendiente.

La Fase de Producción

La fase de producción es donde todos los elementos se vinculan en una suerte de realización final. Las producciones pueden ser transmitidas en directo o grabadas. A excepción de los noticiarios, remotos deportivos y algunos eventos especiales, la mayoría de las producciones suelen grabarse para posteriormente ser transmitidos o distribuidos. Grabar un programa o segmento permite reparar errores ya sea deteniendo la cinta, re-grabando el segmento o haciendo modificaciones durante la edición.

Finalmente, la Fase de Post-producción

Todas las labores posteriores a la producción, como desmantelar el set, las luces, empacar el equipo, cumplir con las obligaciones financieras finales y evaluar la efectividad del programa son parte de la fase de post-producción. A pesar de que la post-producción incluye todas estas labores finales, la mayoría de las personas asocian el concepto de post-producción con el de edición. A medida que los editores controlados por computadora y los efectos especiales de post-producción se han hecho más sofisticados, la edición se ha transformado en algo mas que tan solo ensamblar segmentos en un orden determinado. Como podrá notar, ahora es mas un asunto de creatividad. De hecho, una vez que conozca el poder de la edición, podrá darse cuenta porque es imposible sobre-estimar su importancia. Desarrollaremos esto en otra sección. Equipado con los más recientes efectos digitales, la fase de edición puede realzar mucho una producción. Tal vez sea demasiado fácil quedar maravillado con los avances tecnológicos y todo lo que puede hacer con las técnicas de producción y post-producción. De cualquier forma, la televisión es básicamente un medio de comunicación. Lo demás es secundario.

Confundir el Medio con el Mensaje

A pesar de lo divertido que pueda resultar jugar con ellos, todos estos equipos de alta tecnología son tan sólo una herramienta útil para un propósito más enaltecedor: La comunicación efectiva de ideas e información. Si ponderamos esto, los actuales efectos especiales de "alta tecnología" se verán mas bien crudos en algunos años más. (Como se ven hoy los efectos especiales de algunas películas de hace 30 años). Son solamente las ideas y sentimientos que logre comunicar las que tienen alguna oportunidad de perdurar. Este medio que ahora esta aprendiendo a controlar puede ser utilizado para llenar al público de insensateses y tonterías......o para ofrecer ideas que cambien para bien en nuestro entorno. (¡Y definitivamente existe la necesidad de provocar una diferencia positiva en el mundo!)

Propuestas de Programas y Argumentos

Muy bien, ahora que sabe quién hace qué y posee una visión general en el proceso básico de producción, vamos a avanzar en el proceso de realización de una producción de TV. Usted puede tener una idea muy clara en su mente de lo que desea obtener con su producción, pero, a menos que pueda comunicar claramente sus ideas a otras personas que pueden ayudarle a completar tu producción, esa idea se quedará en su estado potencial. Entre las "personas relevantes" están el productor y director, el personal de producción, un patrocinador o cualquiera que cubra los costos de producción y, lo más importante, la audiencia.

¿Por dónde comenzar?

Escriba la Propuesta de Programa o Argumento

El primer paso en una producción compleja es escribir un planteamiento claro y preciso de las ideas. Este resumen escrito es conocido como argumento en producciones dramáticas y como propuesta de programa (libro de producción) en producciones no dramáticas. Esta es una propuesta de programa para una estación local de televisión

Ejemplo Propuesta Programa:


Exploraciones Submarinas será una producción semanal en estudio de 30 minutos protagonizado por invitados que presentarán su propio video de exploraciones submarinas alrededor del mundo. El anfitrión propuesto para este show es el Dr. Steve Adams, quien ha establecido una trayectoria record con nosotros y la WCFX-TV haciendo especiales marinos. Cada semana el tendrá un nuevo invitado con nuevas experiencias. Dado el elevado número de personas que habitan la costa dentro de nuestra área de transmisión, quienes regularmente documentan sus expediciones de buceo, no tendremos problema en encontrar invitados con excitantes tomas e historias que contar. Incluiremos close-ups en estudio de artefactos recuperados durante expediciones submarinas. Dos invitados que han documentado el descubrimiento de barcos hundidos están interesados en participar. Adicionalmente queremos agregar la participación de expertos en formas de vida marina de la universidad, quienes poseen coloridas y dramáticas tomas en DVC-Pro de una gran variedad de formas de vida marina. Dado el interés que este tipo de programa puede generar, Dave's Dive Shop y Marty's Marine Supply, se han comprometido tentativamente como patrocinadores. Existen otros tantos patrocinadores potenciales dentro de nuestra área de transmisión.
Los costos de producción serán mínimos. La producción puede ser realizada "como en vivo" las tardes de los miércoles en el Estudio B a tres cámaras (una reservada para los close-ups de las exhibiciones). El Dr. Adams indica que está dispuesto a participar como anfitrión y ayudar en la producción por $950 por programa. Nuestro contrato inicial con el Dr. Adams será por 13 programas. Aunque los invitados apareceran sin ninguna compensación, los patrocinadores potenciales han indicado que están dispuestos a dar a los participantes regalos en reconocimiento a su participación al aire. El espacio de transmisión de los domingos por la tarde ahora ocupado por Qué en el Mundo (que conluye el 2 de Abril) parece apropiado, de cualquier manera la decisión final será de programación. Inicialmente, el show será dividido en tres bloques:

Bloque #1 - Introducción del invitado; avances del tema del día con breves cortos de los videos y las exhibiciones. (7 minutos aprox.)

Pausa Comercial/Anuncio de servicio público.

Bloque #2 - Discusión del tema, anteponiendo la voz sobre los videos submarinos y los close-ups a los artefactos en el estudio.

Pausa Comercial/Anuncio de servicio público.

Bloque #3 - Discusión y conclusión, otra véz anteponiendo la voz sobre los videos submarinos y los close-ups a los artefactos en el estudio.
Conforme el soporte comercial se incremente tendremos la opción de dividir en cuatro bloques separados por tres pausas comerciales.

El Dr. Adams ha sido contactado previamente por la WCFX-TV para realizar otro especial para éllos. Si él estelariza Exploraciones Submarinas obviamente preferiríamos tenerlo bajo contrato exclusivo para nosotros durante la serie.

El ha aceptado esperar 30 días para nuestra decisión sobre Exploraciones Submarinas.
Usualmente, el simple proceso de escribir sus ideas en papel le obliga a organizarlas y aclararlas. Este paso comúnmente revela debilidades y lagunas que pueden ser corregidos antes de que sea muy tarde (o antes de que sea cuestionado por detalles que no había considerado).

Logre la Aceptación de su Propuesta

Conseguir la aprobación en un argumento brinda seguridad. Una vez que todo el mundo esté de acuerdo con su argumento o propuesta, difícilmente alguien dirá mas adelante que "Esto no es lo que tenía en mente." La propuesta de programa puede ser solamente un par de páginas; o, en el caso de producciones dramáticas, un argumento puede estar integrado por 30 o más paginas. Este es un buen punto para mencionar la importancia de escribir. Así es, yo sé que habrá escuchado esto desde que estabas en la escuela primaria. Puede haber quienes decidieron ingresar a la TV (en lugar de los medios impresos, por ejemplo), porque creyeron que en esta medio podrían escapar a la necesidad de aprender realmente a escribir. Lo siento. A pesar de ser un medio visual, la TV está basada en la palabra escrita. (Incluso Internet está basado en la palabra escrita.) Cuando nos damos cuenta, la habilidad para escribir y comunicar efectivamente las ideas se convierte en el más importante criterio para el éxito. A menos que desee realizar algunos trabajos muy básicos en TV, deberá enfrentar la realidad-- mientras antes mejor. Casualmente, la mayoría de los productores de películas (los "Grandes Jefes", ¿recuerda?) llegaron a sus puestos iniciándose como escritores. ¿No preferiría terminar siendo alguien que toma las decisiones (y es pagado proporcionalmente)? Muy bien, de regreso a los argumentos y las propuestas de programa. Aunque son escritas como parte de la presentación y para lograr los acuerdos en el enfoque y dirección de la producción, pueden también ser usados para interesar algunas personas importantes, especialmente apoyos financieros que soporten la producción.

Asegúrese de que su Propuesta Despierte el Interés e Imaginación de la Audiencia.

Una propuesta o argumento debe incluír el enfoque principal de la producción, o, en el caso de una producción dramática, los lineamientos básicos de la historia. También se incluyen las locaciones y el talento requerido y algunas veces una o dos escenas clave. En producciones no dramáticas necesitan ser incluidos los tiempos aproximados de los segmentos y las necesidades básicas. Cualquiera que lea la propuesta o el argumento debe lograr obtener una clara idea de la producción total. Si llega a haber desacuerdos en el concepto del programa, es mucho más fácil cambiar los elementos en esta etapa que después de que el guión haya sido terminado. Breves instrucciones para
escribir un argumento pueden encontrarse en el apartado siguiente:

Escribiendo un Argumento

Un argumento consiste en un condensado escrito sobre el film o la producción dramática de TV propuesta. Este cubre las ideas básicas y los capítulos de producción. Los Personajes principales, locaciones y ángulos de la historia son incluídos. Su propósito en parte es vender la propuesta a apoyos financieros y estrellas. Los argumentos deben lograr captar la atención y proporcionar una interesante lectura. Están escritos en tiempo presente y usualmente son leídos como una historia corta. El argumento cubre la secuencia de la historia y algunas veces contiene ejemplos de los diálogos clave. No existe una extensión determinada; solamente lo que se requiera para cubrir la historia. Muy largo probablemente aburra al lector; muy corto podría dejar algunas preguntas sin respuesta. Finalmente, el argumento o propuesta de programa debe captar el interés de los lectores convenciéndolos del probable éxito de la producción--lo cual nos lleva a la siguiente sección.



Conocimientos de Computación

Caso Dawn, Aunque Dawn se graduó algunos años atrás, ella ha sido una exitosa modelo y encontrar empleo no había sido un problema--hasta ahora. Cuando Dawn comenzó a buscar trabajo, élla encontró entrevista con entrevista que poseer conocimientos de computación era un requisito para obtener el empleo. Debido a que Dawn había desarrollado una fobia a las computadoras durante el colegio (nuestra escuela no requeria conocimientos de computación en aquel tiempo) ella logró obtener su grado sin tener nunca que enfrentar a una computadora. Finalmente, Dawn tuvo que admitir que haber pasado por alto la capacitación en computación no había sido una buena idea. Ella se inscribió en un curso de computación en una escuela vocacional para adultos. Irónicamente, aunque ella odiaba las computadoras, ella les tomó tanto apego al transcurso de un año que terminó abriendo su propio negocio basado en computadoras. En cada esquina de una estación de TV y centros de producción encontrarás hoy en día PC's. Estas están en el escritorio del recepcionista cuando entras al edificio, en los escritorios de los empleados de ventas y continuidad, en todos los escritorios del departamento de noticias, en (muchas) bahías de edición, y se han infiltrado incluso en la cabina de control de producción. Los ingenieros las usan actualmente para ajustar las cámaras, para interconectar señal de audio y video y para monitorear transmisores. Cada semestre hago un recuento para conocer cuántos de mis estudiantes estan capacitados en computación. La mayoría lo están, por lo menos en un grado limitado; pero algunos inscritos rehuyen la idea hasta que se ven forzados a confrontar las computadoras en las clases de escritura. De cualquier manera saber como escribir, corregir ortografía e imprimir una tarea en Mac es un poco diferente a conocer las diversas funciones que las PC's (IBM standart) juegan en la producción.
Aquellos que se aferan exclusivamente a Mac, necesitan recordar que mas del 90% de las computadoras del mundo usan el estandar DOS/Windows. Suficiente por ahora, antes de dejar el colegio procura sentirte confortable con ambos sistemas.

Capturar y Retener la Atención del Espectador

Sería difícil pensar en algún negocio mas competido que la TV. El espectador promedio en los Estados Unidos puede escoger entre docenas de canales de TV. Cada año cientos de millones de dólares son invertidos tratando de crear programas de TV exitosos. Y cada año, por lo menos a nivel de cadenas, la mayoría de estos intentos Fallan.


Pero primero ¡Debes Obtener su Atención!

El éxito de un programa de TV (y por lo tanto, probablemente tu propio éxito profesional) dependerá en gran medida de tu habilidad para capturar y retener efectivamente la atención de la audiencia. Y por supuesto, una vez que lo logres, más vale que tengas algo interesante que comunicar o rápidamente la audiencia se irá a otro lugar (ya sea sintonizando otro canal o simplemente ignorándote). Probablemente pienses "Yo no quiero preocuparme por eso, yo solo quiero hacer programas de TV que me gusten a mi." ¿Muy bien pero, quién va a pagar por ellos? ¿Muy bien pero, quién va a pagar por ellos?

Realidad 101: Un Curso de Economía Requerido

Demos un rápido vistazo a nuestras notas del curso Realidad 101. Las producciones de TV cuestan mucho dinero. Un millón de dólares por hora es adecuado para una cadena de producción. Antes de que alguien aporte esa cantidad de dinero ellos tienen que creer verdadera mente que habrá alguna clase de retorno por su inversión. Dependiendo del tipo de producción, esta retribución puede ser comunicar efectivamente un mensaje corporativo, lograr que las personas compren un producto o servicio, lograr que los espectadores comprendan una serie de conceptos, o, en el caso de la televisión comercial, generar plusvalía por la venta de productos.

Dale al Blanco (Audiencia)

Usamos el término de target audience para indicar el segmento específico de audiencia potencial al que estamos "apuntando." Los publicistas tiene ciertamente preferencias demográficas. Si estás vendiendo jeans de marca, por ejemplo, tu target audience serían adolecentes de buen nivel económico y muy probablemente no estarías interesado en patrocinar repeticiones de "Reportera del Crimen" (Murder, She Wrote), que apuntan a una audiencia más madura. Así que, sin importar que tipo de producción esté pensando hacer, debe comenzar con un claro entendimiento de las necesidades e intereses de su audiencia destino. Los publicistas gastan millones de dólares determinando las necesidades e intereses de grupos específicos de audiencia destino para sus productos. Por cierto, los principios para determinar las necesidades e intereses de su audiencia destino son también aplicables a algo tan simple como producir un video para su clase. Si el video fuese a ser solamente evaluado por un profesor, indudablemente tomaría una aproximación diferente a la realización de un video para la fiesta de graduación. En cada caso, conocer las necesidades de la audiencia destino es la clave del éxito. Veamos unos cuantos asuntos relacionados con esto.


Usando Técnicas de Captura de Audiencia
Podemos darnos cuenta que las audiencias basicamente reaccionan emocionalmente al contenido de un programa. Aún una presentación educativa evoca--para bien o mal--una respuesta emotiva. Aunque las personas creen que estan siendo completamente lógicos al evaluar el programa, es su reacción emocional básica la que mas influye en su evaluación.

¿Que tipo de contenidos involucran emocionalmente a una audiencia en la producción?

Primero, todos parecemos tener interés en otras personas; especialmente en "vivir vicariamente las experiencias" de otras personas. Estamos interesados en personas que protagonizan vidas interesantes (románticas, peligrosas, miserables o profundamente espirituales). Parte de este interés radica en obtener nuevas perspectivas y estar expuestos a nuevos puntos de vista, incluyendo aprender cosas nuevas. También disfrutamos de contenidos que refuerzen nuestras actitudes existentes, y tendemos a reacionar a ideas contrarias a nuestras creencias. Los productores deben tener cuidado de no presentar ideas radicalmente contrarias a creencias ampliamente arraigadas--aunque exista evidencia que avale puntos de vista alternativos. El truco es saber qué tan lejos puedes ir sin perturbar a la audiencia. Por citar un ejemplo extremo, algunos años atrás una estación de TV de la Costa Este de los Estados Unidos denunció a un jefe de policía local. Un reportero clandestino colocó una cámara en una lonchera y grabó al jefe de policía aceptando un soborno. Cuando el video fue transmitido hubo una reacción negativa contra la estación de TV. Aparentemente, el jefe de policía era popular en la comunidad y presentar la verdad de esta manera les resultó inquietante. Esta reacción emocional negativa de muchos espectadores fue seguida por intentos de justificar lógicamente sus sentimientos: difamación, un medio liberal contra la ley y el orden etc. Esta no fue la primera vez por supuesto que el mensajero fue culpado por el mensaje. La misma reacción negativa anti-media tuvo lugar con algunas personas cuando el Presidente estadounidense Richard Nixon se vió obligado a renunciar por actividades ilegales durante su mandato en la Casa Blanca. Quizas quiera alquilar la película "Todos los Hombres del Presidente" (All the President's Men) en video para ver cómo sucedió ésto. El film representa no solamente un importante momento en la historia de los Estados Unidos sino que además ilustra como dos tenaces reporteros hacen tambalear al Presidente de los Estados Unidos. Aunque revelar la verdad no sea siempre recibido con entusiasmo, sabemos que para que una democracia funcione los medios tienen la responsabilidad social de presentar la verdad aunque duela a algunas personas.
De hecho, si los medios abandonaran su papel de "perro guardián", el futuro del sistema democrático estaría muy comprometido.

Pero no hay que entender mal esto; muchas personas gustan de un buen escándalo--mientras no esté involucrado alguien allegado. Por ello funcionan tan bien todos esos tabloides amarillistas (publicaciones semanales en el puesto de revistas)--y también los programas de TV con este mismo estilo. La audiencia también prefiere cosas novedosas, y temas que generan apelan al interés. Indudablemente por esto el misterio, sexo, miedo, violencia y horror arrojan tan buenos resultados en taquilla. También explica por qué vemos tantas persecuciones de autos, explosiones y excesos en filmes y programas de TV. Estas cosas hacen fluir la adrenalina, nos involucran emocionalmente; en definitiva, atrapan nuestra atención. Esto por supuesto abre la posibilidad de explotación--presentando temas que apelan a la naturaleza humana que --¿cómo podemos decirlo?--no es del todo positiva. Algunas veces existe una línea muy delgada entre presentar ideas o historias con honestidad o enfatizar excesivamente elementos como el sexo y la violencia solo para procurar capturar audiencia. Pasando cierto límite la audiencia se sentirá explotada y manipulada y se resentirá. Y hay que recordar que bueno o malo el contenido de una producción arrastra la reputación de sus productores (e incluso de los patrocinadores). Con este marco general de programación referente a la audiencia en mente, podemos pasar a plasmar las ideas en papel: el guión.


La Secuencia de Producción

Para empezar debemos pensar en grande.

Los siguientes 15 pasos cubren las etapas de producción involucradas en una producción ambiciosa. Una vez que obtenga una idea general del proceso, puedes ajustar las cosas de acuerdo a las dimensiones de la producción que tenga en mente.

Identifique el Objetivo de la Producción

1. El paso más importante es el primero: identificar claramente las metas y objetivos de la producción.
Si no hay un entendimiento claro de las metas y propósitos de una producción será imposible evaluar su éxito. (¿Como puede saber si ha llegado a algún lugar si no sabía hacia donde iba?)
¿Es el objetivo instruir, informar, entretener o posiblemente generar sentimientos de orgullo, o necesidades sociales, religiosas o políticas? Posiblemente, el propósito de la producción sea crear un deseo en la audiencia que los lleve a alguna acción.
La mayoría de las producciones por supuesto tienen más de una meta. Trabajaremos sobre esto más tarde.

Analice su Audiencia

2. El paso siguiente es, identifícar y analizar su target o audiencia específica..
Basado en elementos como sexo, edad, estrato socioeconómico, nivel educativo, etc., los contenidos de un programa diferirán. Estas preferencias son también diferentes para partes diferentes de los Estados Unidos (Norte, Sur, zona urbana, rural, etc.). (N. del T.: Igualmente distintos países y regiones en América Latina tienen preferencias y realidades sociales distintas)
Estas variantes regionales pueden en parte ser inferidas por diferencias en la programación local en diferentes partes del país--y algunas veces por los films y la programación que algunas estaciones locales se rehusan a transmitir.

La Demografía DeterminaLa Aceptación de Algunos Contenidos.

En términos generales (aunque por supuesto existen muchas excepciones) cuando se trata de temas sexuales la gente que vive en zonas urbanas del Norte tienden a ser mas tolerantes que las personas que poseen un antecedente rural y viven en el Sur de los Estados Unidos.

La educación esta también relacionada. Investigaciones demuestran que, en general, mientras más educación tenga una audiencia habrá menos rechazo a temáticas sexuales. Curiosamente parece que esta relación se invierte cuando se trata de violencia.

¿Por qué es importante conocer estos asuntos?

He aquí un ejemplo.

Sabiendo que decenas de miles de mujeres mueren cada año por cáncer de seno, la gerente de programación de una estación de TV en el sur de los Estados Unidos decide transmitir un mensaje de servicio público sobre el autoexámen de mama --un procedimiento que puede salvar numerosas vidas. Aunque el mensaje pasó tarde en la noche, de inmediato hubo una reacción negativa. El mensaje tuvo que ser cancelado.
Al mismo tiempo, estaciones comerciales transmitieron programas con desnudos frontales totales sin ninguna reacción apreciable. ¿La diferencia? Demografía. La gente que era mas apta para protestar no estaba frente al televisor y los que si lo vieron eran menos propensos a protestar.
Tal vez usted quiera "decir las cosas como son" sin preocuparse si perturba a su audiencia. (Después de todo si ellos no pueden aceptar la realidad, ese es su problema, ¿correcto?)
Es hora de revisar esas notas de "Realidad para Principiantes" que dicen que si constantemente ofende las preferencias y costumbres de la audiencia, tendrá un futuro muy limitado en el campo de la producción de TV.
Pero ¿qué sucede si no está produciendo para distribución general?
Al comprarse con la televisión de transmisión comercial, la televisión institucional, que incluye el video corporativo y educativo, tiene diferentes requerimientos y expectativas. Pero aquí también las características demográficas como edad, sexo y educación influencian el formato y contenido de producción.
En la televisión institucional el productor y el escritor también deben tener cuidado con las experiencias, educación, necesidades y expectativas de la audiencia.
Por ejemplo subestimar la educación o experiencia e inadvertidamente "hablar por debajo de" el nivel de una audiencia puede insultarlos. Sobrestimar la educación o experiencia y hablar por encima de todos es también negativo. De cualquier forma los pierde.
Analice Producciones Similares
3. Analice producciones similares hechas en el pasado. Si va a cometer errores, por lo menos que sean nuevos.
Pregúntese, ¿En qué difiere su propuesta de los éxitos o fracasos anteriormente realizados? ¿Por qué funcionaron y por qué no? Por supuesto, debe tomar en consideración la diferencia de épocas, locaciones y audiencias. (Los estilos de producción cambian rápidamente.)
Determine el Valor Básico de su Producción
4. El próximo paso es, determinar para el productor o patrocinador el costo total de la producción. Obviamente, el cliente o anunciante requiere de una retribución para su inversión. Aunque vamos a hablar de los costos de producción mas adelante, queremos dejar claro que podemos justificar el costo de producción en términos de cierta ganancia en relación a la inversión.
Para ello tendrá que hacerse más preguntas. Primero, ¿Cual es el nivel probable de audiencia? Debe tomar en cuenta si acaso será una presentación única o si mas bien, los costos de producción podrán ser amortizados en el tiempo presentando el programa a otras audiencias.
Generalmente, mientras mayor la audiencia mas rentable la producción para clientes y patrocinadores. Pero los números no lo dicen todo.
Digamos que un anunciante tiene un producto diseñado para gente joven--zapatos atléticos o jeans, por ejemplo. En este caso, una producción que atrae un gran porcentaje de este grupo de edad será más valiosa que una producción que posee una mayor audiencia general, pero con un menor porcentaje de gente joven.
El precio de una producción para un anunciante o asegurador tiene estar realacionado con el costo proyectado de realización y presentación de la misma. Si el costo excede los ingresos, ¡está en problemas!
Considere la Recuperación de la Inversión
En la televisión comercial la "ganancia sobre inversión" es generalmente en forma de aumento de ventas y beneficios. Pero puede aparecer como beneficios derivados del programa, influencias morales, políticas, espirituales o de relaciones públicas.
Desarrolle un Argumento o Propuesta de Programa
5. El paso siguiente es, escribirlo todo. Existen varios pasos que cimentarán la estructura entre la propuesta inicial al guión final de producción. Como recordará ya vimos los argumentos y propuestas de programa en un módulo anterior.
Una vez que la propuesta o argumento es aprobado, se requiere un guión completo. (Recuerde que estamos hablando de una producción de envergadura.) Es en este punto que la investigación restante es comisionada. Si el guión ha sido creado para alguien que prefiere la TV de los 60's, necesitamos verificar que otros programas están siendo programados para este segmento. (No veríamos un episodio de "Guardianes de la Bahía" (Baywatch) en la pantalla durante un documental de J.Edgar Hoover por ejemplo.)

La primer versión del guión es casi siempre la primera de muchas revisiones. Durante el proceso de revisión, una serie de conferencias de historia o conferencias de guión toman lugar mientras el escrito es examinado por algunas de las personas clave. Durante estas sesiones, asuntos como el perfil de la audiencia, ritmo, problemas con sub-grupos étnicos y religiosos, etc., son solucionados y son consideradas ideas alternativas.
Si es una producción institucional, los objetivos de producción serán revisados y refinados y se tomarán dsecisiones acerca de la manera mas efectiva de presentar las ideas. Si el director ya ha sido elegido (paso #7), él o ella deberá ser parte de estas deliberaciones.
El producto de todo ello es una versión del guión más o menos aceptable para todos. No obstante, ésta versión probablemente no será la definitiva. En algunos casos alguna escena puede estar siendo modificada en el mismo momento de su grabación.
Usualmente en la producción de films cada nueva versión es elaborada en un papel de color diferente para que el elenco y el personal no se confunda con versiones anteriores. (¡Margaret, despierta; estas siguiendo las páginas rosas y estamos en amarillo ahora!!)
Dependiendo del tipo de producción, un storyboard puede ser necesario. Un storyboard consiste en dibujos de las escenas clave con los diálogos correspondientes, sonido, efectos, música, etc. Es una especie de "comic" con detalles de producción.

Desarrolle un plan de Producción

6. El siguiente paso es organizar una plan tentativo. Generalmente el día límite de transmisión o de distribución determinara el plan de producción (la tabla de tiempos escrita que lista el tiempo destinado para cada paso desde el inicio hasta el final de producción).
Cuando no se planifica cuidadosamente puede no llegarse a una importante fecha límite, y puede incluso llegar perderse la producción.
Seleccione el Personal de Producción
7. En esta etapa el personal faltante es integrado a la producción. Además del productor y el guionista, el personal clave incluye el gerente de producción, director y en general los miembros del equipo creativo. El personal general, que incluye el equipo técnico generalmente es contratado o asignado más adelante.
Seleccione las Locaciones
8. El paso siguiente consiste, si la producción no es realizada en estudio, en decidir las principaleslocaciones. En una producción de envergadura un cordinador de locación o gerente de locación es contratado para encontrar y coordinar el uso de las locaciones sugeridas en el guión.

Aunque puede ser mucho más fácil grabar en un estudio de TV, los espectadores prefieren la autenticidad de locaciones reales, especialmente en producciones dramáticas.
Muchas ciudades que desean fomentar la producción de películas y TV poseen oficinas (Film Commissions) que ponen a disposición fotografías y videos de locaciones selectas en el área. Estas comisiones existen en las grandes ciudades de Estados Unidos (y en muchos países) y proveen información sobre los derechos de utilización y las personas que necesitan ser contactadas.

A menudo es necesario hacer cambios en los sets en locación. Algunos espacios pueden necesitar pintura o deben ser re-decorados, cambiar letreros, etc.

Seleccione el Talento, Vestuario y Escenografía

9. El paso siguiente consiste en tomar algunas decisiones sobre el talento, vestuario y los sets.
Dependiendo del tipo de producción, se pueden llevar a cabo audiciones en esta etapa como parte del proceso de casting (selección de las personas para los diferentes roles). Una vez que se toman las decisiones, los contratos son negociados y firmados. (Si tiene la suerte de poder contar con actores conocidos, es probablemente porque ya habían sido seleccionados previamente en la pre-producción.)
Una vez que el talento o actores son contratados, la selección del vestuario puede comenzar.

El escenógrafo revisará el guión, probablemente realice una investigación y entonces discutirá sus ideas con el director. Una vez que se llegue a un acuerdo, presentará bocetos de los sets para una aprobación antes de comenzar con la construcción.
Los ensayos son programados desde las primeras lecturas (dry run) hasta los ensayos generales con vestuario (dress rehearsal). Aunque los sets todavía no hyan sido terminados, el talento puede empezar lecturas del guión con el director para estabelecer, ritmo, énfasis y las marcas básicas (posiciónes en el set, muebles, cámaras, actores, etc.) Una vez que los sets son terminados, el marcado final y los ensayos generales con vestuario pueden llevarse a cabo.
Seleccione el Personalde Producción Restante
10. Toma las decisiones sobre las necesidades y el personal restante de producción. En esta etapa pueden llevarse a cabo acuerdos sobre el personal técnico clave y las facilidades de producción. El transporte, abastecimiento o catering (por medio de camiones de alimentos y bebidas) y hospedaje en locación (para estadías nocturnas) debe también ser negociado.
Si existen sindicatos involucrados, sus contratos deben cubrir una descripción del trabajo y responsabilidades específicas del personal. Las horas de trabajo incluyendo incrementos graduales de pago por horas extras deben ser también acordados. Además, usualmente los sindicatos fijan un estándar mínimo de calidad de transporte, alimentos y hospedaje.
Obtenga Permisos, Seguros y Acreditaciones
11. En las grandes ciudades y muchos países no es posible solamente llegar en la locación deseada y comenzar a grabar. Deberá obtener permisos de acceso, licencias, fianzas o garantías y pólizas de seguro. A excepción de noticias y segmentos documentales muy cortos, los permisos son invariablemente requeridos. Muchas locaciones interiores semi-públicas, como centros comerciales exigen también permisos de grabación.
Dependiendo de la naturaleza de la producción, pólizas de riesgo locativo y daños a la propiedad de terceros, así como fianzas de fiel cumplimiento pueden ser necesarias en caso de que ocurran accidentes directa o indirectamente atribuibles a la producción.
En algunas locaciones la oficina burocrática encargada limitará la producción exterior a ciertas áreas y horarios específicos. Si existe una escena en la calle y el tráfico puede ser afectado, será necesario solicitar acuerdos para asistencia policíaca especial.
Para completar la dicha, usted deberá de hacerse de una amplia variedad de permisos y licencias. Estas varían desde permisos para usar música pre-grabada hasta reservación de tiempo de satélite. Si la acreditación no puede ser obtenida, deben considerarse rápidamente algunas alternativas.

Seleccione Insercopmes de Video, Imágenes Fijas y Gráficos

12. Según el progreso de la producción, las inserciones del programa pueden ser seleccionadas y grabadas por una segunda unidad de trabajo. Durante esta fase pueden llevarse acuerdos para grabar y adquirir los derechos de uso de videos pre-existentes, imágenes fijas y gráficos. Muchas veces es posible ubicar y adquirir material existente de films o videotecas en varias servicios especializados, que ahorra costos de producción o permite obtener una toma (histórica por ejemplo) imposible de obtener por otros medios.
Si el material necesario no está disponible o no cubre las expectativas de producción, una segunda unidad de debe ser configurada para producir los segmentos necesarios. El trabajo de la segunda unidad es una producción hecha separadamente de la locación principal y con un equipo de producción separado. Generalmente no incluye el talento principal en cámara.
Si alguna parte de una producción dramática requiere de un edificio específico, por ejemplo una segunda unidad puede grabar los exteriores necesarios en Chicago, mientras que las tomas interiores (Que supuestamente se llevan a cabo en un edificio de Chicago) son realmente grabadas en Los Angeles (donde viven los actores).
Las decisiones sobre la música son tomadas en esta etapa. La licencias de uso y pagos por derechos de autor son acordados para los elementos musicales y visuales. (Estas cuestiones serán discutidas más a detalle más adelante.)

Los Ensayos y la Grabación

13. Dependiendo del tipo de producción, el ensayo puede llevarse a cabo minutos o días antes de la grabación. Las producciones grabadas en caliente (sin parar a excepción de problemas mayores) deben ser completamente ensayadas antes de comenzar. Esto incluye lecturas, ensayos de cámara y uno o más ensayos generales con vestuario.
Las producciones al estilo cinematográfico con una sola cámara, son grabadas escena por escena. Los ensayos generalmente se llevan a cabo poco antes de grabar la escena.
La Fase de Edición

14. Completadas las tomas, las cintas deben ser revisadas por el productor, el director y el editor quienes toman decisiones sobre la edición. Para producciones de cierto calibre esto se hace tradicionalmente en dos fases.Primero se lleva a cabo una edición en off-line, usando copias de las cintas originales. Las decisiones tomadas durante la edición en off son usualmente editadas en una copia con código de tiempo correspondiente a las tomas originales. Usando estas cintas editadas y una bitácora de edición (lista de decisiones de edición) como guía, el productor puede continuar en la edición en línea (On-Line), donde es usado equipo mas sofisticado (y costoso) para crear el master editado, que es la versión final de la producción. Durante esta fase de edición On-line se llevan a cabo todos los ajustes necesarios de sonido, balance de color y efectos especiales.

A medida de que se incrementa el uso de sistemas no-lineales digitales de alta calidad (será discutido posteriormente), la necesidad de efectuar ediciones en off-line para posteriormente editar On-Line está siendo superada, o al menos será una opción. En virtud de que la edición es un importante paso creativo, la desarrollaremos en detalle más adelante.

Seguimiento de la Post-producción

15. Aunque la mayoría del personal de producción habrá concluido su trabajo una vez que producción esté en esta fase todavía hay mucho que hacer en el seguimiento de la producción. Cuentas fnales son pagadas, estados financieros cerrados, y el éxito o fracaso de la producción es determinado. En las transmisiones de televisión, existen ratings; en la televisión institucional puede haber pruebas, evaluaciones o simplemente retroalimentación del espectador para ser considerados.

martes, septiembre 26, 2006

Taller de Cine 2 Cap. 20 Realizacion Imaginativa

miércoles, septiembre 20, 2006

Television II 25.09.06

CINE, VIDEO Y TELEVISION Una evolución de su operativa Hemos visto ya una síntesis histórica del desarrollo y evolución de los instrumentos de producción, conservación y reproducción de imágenes audiovisuales. Podemos entonces avanzar en algunas de las proyecciones y consecuencias que este desarrollo de los instrumentos ha producido. Veamos el cine, la televisión y el video desde la triple óptica de la producción, conservación y reproducción de mensajes audiovisuales. En los tres casos, los instrumentos y procesos se encuentran enmarcados en un modelo teórico de una sedicente comunicación: Emisor -- Medio -- Receptor. Y en los tres casos, los instrumentos y procesos se inscriben en una lógica de mercado, de ganancia, de competencia, pero siempre conservando y reproduciendo los valores y pautas de los sistemas sociales que los sustentan. En el caso del cine, en cuanto producción, nos encontramos con un oligopolio real, que encuentra su correlato en un oligopolio similar para la reproducción. La mayor parte de los intentos de producir un cine de alternativa, en general con las pautas de producción existentes y aceptadas sin cuestionamiento alguno, el obstáculo se encontró en el proceso de reproducción. Un cine producido independientemente del sistema, y que lo cuestiona, no tiene cabida, ni salida, a través de las redes de distribución y exhibición controladas por el oligopolio correspondiente. Y, aceptadas las pautas y reglas del juego de producción del cine oficial, los grupos independientes necesitan inevitablemente llegar a la red de distribución para sostener los altos costos que estas pautas productivas implican. Ha habido y hay excepciones, pero sólo alcanzan a confirmar la regla. Los formatos de reproducción llamados alternativos: super 8 casi extinguido, y 16 milimetros, podrían haber significado la creación de redes alternativas de distribución a nivel grupal, e incluso a nivel familiar. Pero la escacez de productos con qué alimentar dicha red alternativa cierra el ciclo que impide su surgimiento. En la televisión, la producción es también oligopólica, con una acentuada dependencia de las grandes metrópolis, pero la reproducción ha sido transferida a nivel doméstico, tanto por la necesidad comercial como porque el control de la producción hacía insignificante el riesgo de una producción alternativa. Se crea entonces el espejismo de que recibir programas de televisión no cuesta nada. Nada más falso: No sólo hemos tenido que pagar por el equipo receptor, sino que pagamos por todos los programas que vemos y aún por los que no vemos, en forma indirecta, mediante el aumento de precios de los bienes y servicios que se publicitan y consumen. En la televisión, los modelos productivos, aunque de menor costo que en el cine, siguen requiriendo de un financiamiento que está lejos del alcance de los grupos que pretenden un sistema alternativo. Y, aunque se produzcan, y de hecho se producen, programas alternativos, en el sentido de su independencia, los cancerberos del sistema (ejecutivos de programación de los canales) se encargarán de que esos programas no sean transmitidos. La regla parece decir que: Hay que evitar, desde el inicio, los malos ejemplos. La recepción de televisión no sólo cuesta sino que además es dirigida. Aún en las grandes ciudades, en las que 6 a 8 estaciones de libre recepción emiten un promedio diario de 150 horas de programas, se observa que las programaciones responden a un estereotipo que equivale a un monopolio cultural. La libertad de elección del receptor se limita a soportar lo que le dan, optando por el mal menor, o apagar el televisor. Esto último es fácil y se produce con frecuencia en grupos de los sectores altos y medios del espectro socioeconómico. Pero es casi imposible que se produzca en los sectores de menores ingresos: han invertido en el televisor y la única forma de amortizar la inversión es mediante un uso intensivo del equipo penosamente adquirido. En el cine, y supeditada siempre a los intereses comerciales, la producción se encuentra en manos del emisor. Es el emisor quien define lo que se produce o deja de producir en función de su propia satisfacción o para obtener algún tipo de recompensa. El emisor, cuando se expresa, lo hace desde su matriz sociocultural. Informa de su visión del mundo, de sus problemas, de sus opciones, siempre a través de una narración, que puede haber sido tomada de otro, pero que él reelabora y plasma en un tratamiento cinematográfico. Transmite cultura, claro, pero sólo la suya. Transmite información, por supuesto, pero sólo la que le interesa, o la que le interesa al sistema social en el que está inserto. De una manera u otra, conciente o inconcientemente, con frecuencia independientemente de su voluntad, manipula a los receptores. No sólo con los contenidos, sino también con los códigos del lenguaje audiovisual que va descubriendo poco a poco e incorporando a sus productos e imponiendolo luego a sus receptores. Los costos de producción tienen una importancia relativa. La introducción del producto en una red de distribución mundial, forzada a la aceptación de "paquetes" completos, garantiza la recuperación de la inversión, independientemente de la supuesta calidad del producto. Además, 20 a 50 años de habituación han llevado a gran parte de los receptores a perder toda capacidad de sentido crítico; aún más, los ha llevado a reclamar productos mediocres en nombre de la evasión o diversión. Tal parece que hemos llegado a un punto en que se ha logrado convencer al esclavo de que la esclavitud es una condición no sólo apacible, sino deseable. Lo antes dicho sirve también para la televisión, pero corregido y aumentado. El nivel de manipulación que el emisor hace del receptor, a traves del medio, es tan alto que ya se ha legitimado a sí mismo y parece difícilmente cuestionable. Solamente los grupos de investigadores, preocupados por la salud intelectual de la población, han estudiado el problema y lanzado la alarma. Pero no han logrado, quiza ni siquiera intentado, generar una alternativa. En cuanto a los costos, la producción para televisión es más barata que el cine, pero aún así son bastante elevados. Los modelos y lógicas productivas son exactamente iguales en ambos formatos: irracionales y antieconómicas. Pero la televisión no depende directamente del receptor para subsistir. La televisión vive y obtiene ganacia por la publicidad. Por ello el criterio motor de la programación será: mínimo de programas, máximo de publicidad. Es por esta razón que resulta mucho más económico comprar enlatados, cualquiera sea su calidad, que producir localmente. En cuanto a la calidad, la situación es similar para el cine y la televisión. Su definición no es arbitraria, como podría parecer a simple vista, sino totalmente racional. La película o el programa de televisión son una mercancía. Por lo tanto tendrá mayor calidad aquella mercancía que de mayor ganancia. Ganancia para el emisor, desde luego. La calidad, entonces está definida en términos de valor de cambio, y a veces, por necesidad del emisor de autolegitimarse, por su valor signo, pero nunca por su valor de uso para el receptor. Se ha dicho que la falta de calidad de los programas se debe a la falta de una crítica especializada que oriente al espectador y al realizador, pero la verdad es que la crítica especializada ejerce su labor sobre los productos que se le ofrecen , pero nunca sobre aquellos que, aunque se necesitan, no se producen. El crítico podrá elegir entre todos los platos del banquete aquellos de mejor aspecto, pero nunca podrá exigir alimentos nutritivos para una población subalimentada. Desde el punto de vista técnico de las imágenes audiovisuales el tema de la calidad es complejo y, por momentos risueño. Toda la calidad ganada a costa de una altísima inversión en equipamiento de última generación se ve reducida a cenizas en salas de cine con equipos de proyección obsoletos, pantallas de retazos de arpillera y parlantes desajustados. Toda la calidad de los más modernos equipos electrónicos de televisión, de altísimo costo, naufraga ante la recepción por antenas mal situadas y receptores mal sintonizados, dotados de parlantes que apenas llenan en condiciones mínimas, un cuarto de dos por dos. Y como la calidad del equipo es definida más por su valor signo que por su valor de uso, la calidad de hoy agrede a la de ayer y será agredida por la de mañana. Hace más de 20 años que en los laboratorios se conoce el sistema de televisión de alta definición, más de mil líneas de resolución. Hace más de 20 años que ese equipo puede producirse en forma industrial. Pero, repetimos, la calidad es lo que da ganancia, y antes de lanzar al mercado la alta definición es necesario agotar la inversión realizada hasta hoy en los sistemas de baja definición. El simple hecho de que la mayor parte de los paises de Latinoamérica esté operando con normas de 525 líneas y sistemas de codificación del color NTSC, en lugar de optar por 625 líneas y codificación SECAM o PAL, es el resultado de presiones político comerciales ejercidas por las grandes empresas productoras de equipos. Hace aproximadamente 15 años y como resultado de las lógicas de sociedades industrializadas, consumistas y competitivas, aparece el video. Lo que aparece inicialmente como equipos de televisión de pequeño formato y calidad subprofesional, se transforma con el crecimiento del mercado en un cuerpo tecnológico que alcanza identidad propia. El video permite por primera vez, la producción, conservación y reproducción de imagenes audiovisuales a nivel domestico, grupal y de alternativa a los sistemas comerciales existentes. El video permite, por primera vez, el reemplazo en los hecho del modelo Emisor -- medio -- receptor por un modelo real de comunicación: Interlocutor -- medio -- interlocutor Se quiebra de esta manera, el monopolio de la producción, de la conservación y sobre todo de la reproducción. Sin querer idealizar al video, nos encontramos aquí con un hecho sorprendente: la evolución de la tecnologías puede traducirse en un cambio sustantivo del modelo teórico de comunicación y por lo tanto, en un cambio fundamental en el papel que los medios desempeñan en la estructura social y en la conservación y reproducción de los valores del sistema. La tecnología del video permite, si se realiza el esfuerzo necesario, q Cuestionar desde dentro lo que parecía incuestionable. q Permite redefinir los criterios de calidad. q Permite la producción y reproducción alternativas de mensajes audiovisuales. q Permite postular para estos instrumentos el papel educativo, tanto en su sentido amplio como para procesos acotados de enseñanza aprendizaje, que hasta ahora les ha sido negado en forma reiterada y sostenida. Algunos datos en apoyo a estas afirmaciones. Una cámara videograbadora de mayor calidad que cualquier cámara profesional de hace 20 años cuesta hoy 400 veces menos, es decir, unos 1500 dólares. La edición de programas, es decir el reordenamiento de las tomas originales en un orden establecido, se hacia hace 30 años, cortando una cinta magnética de unos 5 centímetros de ancho y empalmándola con pegamento. Hoy un equipo de edición corriente permite selecionar grupos de ocho tomas y realiza la edición en forma electrónica en el orden secuencial previsto, sobre una cinta de 8 mm de ancho. La cámara de hace 30 años pesaba más de 40 kilos y el grabador cerca de 500. La cámara videograbadora de hoy pesa en total 2,5 kilos. La alternativa posible, pero quizás optimista, tarda sin embargo en plasmarse. Sus avances son lentos, graduales, aislados, parcelados, a veces incongruentes. Se corre el riego de que, de nuevo, el sistema coopte el instrumento y lo vuelva a poner al servicio del status quo, o lo use para enmascarar contradicciones, lo manipule para que sea manipulatorio. Ya que la producción es financiera y creativamente viable y que la red de reproducción existe, asociada a cada receptor doméstico de televisión, entendemos que el riesgo mayor se encuentra en los modelos de producción. El viejo sedicente modelo de comunicación Emisor -- medio -- Receptor sigue manteniendo su vigencia en los modelos productivos de quienes empiezan a trabajar con el instrumento video. Se sienten emisores y quieren expresarse para llegar a los receptores. No se sienten interlocutores en un proceso de construcción en común, para hacer comunicación en su sentido más fundamental. Cometen el error de reivindicar pautas de calidad del emisor, sin adecuarse a la calidad necesaria y suficiente que requiere la interlocución, y por lo tanto, la comunicación. Piensan la programación como la misma que conocen, no se plantean alternativas. Y sobre todo rechazan los usos educativos para los cuales el video es un óptimo instrumento didáctico. La televisión comercial, con un elevado grado de inteligencia o habilidad, ha logrado convencernos de que un programa educativo es, necesariamente aburrido. Y nos ha dejado entrever que un programa divertido es, necesariamente, alienante. Hacen falta productores que enfrenten este desafío, que produzcan educación en su sentido más amplio y que produzcan pedagogía en su sentido más restringido, porque esos programas tienen valor de uso para el interlocutor masivo.

Television II 25.09.06

1. - Historia de la Televisión.

Definiciones de Televisión:

a.- Palabra de raíz griega que toma su significado de “Tele”, que significa lejos, y “visio”, que en latín es visión.
b.- Es la transmisión a distancia de imágenes por medio de ondas Hertzianas o radioelectricas con la ayuda, en los esencial, de cámaras, cables coaxiales, transmisores y antenas.
C.- Es un servicio de telecomunicaciones que forma parte de un conjunto de operaciones comerciales.
D.- Programaticamente es un medio para informar, entretener y educar, recurriendo a diferentes géneros creativos.

Los Canales de Televisión por su parte son el universo de la industria electrónica donde se pueden describir como las unidades de distribución y producción de programas.


Pioneros de la Televisión:

Etapa de la Fototelegrafía:

1817 – Jacob Berzelius: De origen Sueco, descubrió un metal llamado selenio, buen conductor de la electricidad, dando inicio a un largo proceso electrónico.

1843 – Alexander Bain: Escocés, revela que las imágenes pueden descomponerse en puntos de distinta luminosidad. A partir de ese momento se considera la posibilidad de convertir los puntos de la imagen en impulsos eléctricos, los que a su vez serían recepcionados en otro lugar y transformados en primitivos colores luminosos.

1873 – Luis May : telegrafista inglés, quien señala que el selenio es fotosensible o sea que su conductividad eléctrica aumenta con la luz que recibe.

1879 – G.R. Carey, inglés, y luego M. Senlecq, con su telescopio, expusieron los principios del análisis de las imágenes.

Etapa de la Televisión Mecánica:

1884 – Paul Nipkow: alemán, considerado el padre del sistema mecánico. Lo inscribe en el registro imperial de patentes de Berlín como la reproducción de objetos luminosos. El sistema estaba basado en un disco con 30 agujeros en espiral, como medio para descomponer la imagen.

1919 – Denis V. Mihaly, húngaro, quien logra proyectar a distancia sombras de estilo chino.

1925 – John Logie Baird, escocés, proyecta la primera imagen televisada de un muñeco llamado Bill y el 9 de febrero de 1928 la transmite a Nueva York. Baird presentó su experimento en Francia, Alemania, Suecia, y estados unidos.

Etapa de la televisión Electrónica:

1897 – Karla Braun : Alemán, quien construye un tubo de rayos catódicos con pantalla de imagen fluorescente.

1906 – Lee de Forest: Estado Unidense, desarrolla una lampara electrónica con la cual logra amplificar señales eléctricas.

1907 – Boris Rosling, ruso, en San Pestesburgo, investiga y perfecciona las transmisiones de Rosling utilizando Tubos de rayos catódicos.

1923 – Wladimir Kosma Zworykin, rusos – americano, desarrolla un sistema de transmisión televisiva electrónica, patentando el iconoscopio que ayuda a mejorar los tubos de Rayos catódicos de los Receptores.

1935 – Fritz Schroter, alemán, va a Estados Unidos a comprar los derechos del iconoscopio de Sworykin y David Sarnoff, para transmitir los Juegos Olímpicos de Berlín.

El lenguaje Televisivo y el video como formato alternativo

1. -

La televisión, por lo general, emite programas que son emitidos por una cadena de televisión y dirigidas a una gran audiencia.

El video, por su parte, abarca la realización de programas grabados, emitidos desde un VTR (video Tape Recorder) o magnetoscopio.

Hoy, la transmisión de productos audiovisuales previamente grabados en la televisión hace que el telespectador no distinga un formato de otro.

2. -

La televisión como su concepción lo indica es un medio inmediato. Trata, en lo posible, de vivir el directo como recurso principal.

En cambio, para el video la imaginación no tiene limites. Los efectos, la superimposición de imágenes, el Chroma Key, la inserción de animaciones gráficas, de Modelados 3D, diapositivas, fotografías, etc. Permiten que el campo de acción del video supere con creces al sistema televisivo.

Por lo anterior expuesto podemos comprobar como los canales de televisión utilizan cada vez más programas envasados sobre los programas en directo. Sin embargo, los en vivo tienen una particularidad que nunca podrá observarse en video tape: la espontaneidad y la sorpresa.


3. -

Los receptores de televisión reciben las señales por vía área. Esta señal contiene audio y video juntos. Cuando existe algún problema atmosférico esta señal se debilita y la recepción es defectuosa.

En cambio cuando hablamos de monitores de video estamos frente a un aparato que recibe la señal mediante un cable, generalmente, coaxial que contiene audio y video de alta fidelidad.

Sin embargo hoy observamos como cada día los aparatos de televisión comparten ambas posibilidades de recepción permitiendo al consumidor elegir el tipo de televisor según sea su calidad de imagen.

4. -

La televisión como medio es una señal simple que se emite mediante el espacio aéreo desde una estación emisora a una receptora.

Bajo este contexto el video es mucho más versátil ya que puede observarse tanto en una pantalla pequeñisima como en una pantalla ultragrande. También en multipantallas, en cristal liquido, a través de Leds, etc.

Esta diferencia es importante al conocer de las posibilidades de producción que tienen las estaciones de televisión para producir programas para públicos más restringidos o focalizados.

5. - La televisión es un formato plano, no puede transformarse ni modificarse. El sistema siempre es el mismo: Fuente - canal - Receptor.

Por su parte, el video puede adoptar muchas formas, como formato de cine o copiado en CD Rom pasa a ser digital,

6. - La televisión como sistema no concibe su registro sino su decodificación en un receptor. Es una señal etérea y difusa, se desvaneces, pasa.

En cambio la señal de video se puede registrar en una cinta magnética, que puede ser guardada durante mucho tiempo y volver a ser utilizada posteriormente.


Diferencias entre cámaras de Video y de Cine


1. -
Las cámaras de video generan imágenes continuamente desde que se encienden, incluso mientras se realizan sus ajustes.

Como ventaja particular observó que las imágenes que se registran pueden ser revisadas inmediatamente (en el caso de que estas sean Camcorder y no cuerpos de cámara que requieren de unos monitores permanentes)

Las cámaras de cine por su parte utilizan películas de alto costo, muy distinta al bajo precio que puede alcanzar una cinta magnética. La película de cine puede utilizarse por una sola vez ya que sus composiciones químicas varían según la exposición a la luz que tengan. La calidad de su imagen puede deteriorase por un mal almacenamiento, traslado o exposición a fuentes luminosas.

Las ventajas a favor del cine las encontramos en que la cámara de cine es muy segura y robusta y resiste mejor las inclemencias externas, su película es más sensible a la luz por lo que no requiere de grandes fuentes luminosas. Otro punto importante es que la cámara de cine consume menos energía que la de video.

Las ventajas a favor del video es su potencialidad y uso universales. A saber se puede utilizar en el aula como ayuda o apoyo a la clase realizada por un profesor. Se puede transmitir a distancia mediante un cable. Se graba el video y el audio al mismo tiempo, no así en el cine donde el audio - directo - se graba aparte y luego se monta en la moviola o el computador con las tomas registradas en la película fotográfica. El video permite trasladar el tiempo real de la acción.


La Cámara de Video

En la actualidad existen diversas cámaras de video. De los variados tamaños y formatos. Sin embargo todos sin excepción utilizan los mismos principios televisivos y comparten las mismas normas de calidad.

Las cámaras de televisión hoy son sumamente sencillas de manejar, basta con prenderlas, enfocar un punto y apretar un botón. Sin embargo, su optima utilización merece una mejor atención.

El arte de ajustar la cámara de televisión (exposición), seleccionar que partes quedará nítidas y enfocadas, componer y encuadrar las tomas, etc. La electrónica de la cámara puede ayudar pero no puede crear por sí sola imágenes de éxito.

La cámara posee siete características principales:

1. - Sistema de Lentes (objetivo) que proyecta la imagen en los tubos o CCD de la cámara.

2. - El tubo o CCD de la cámara que convierte la imagen captada por el objetivo en la señal eléctrica correspondiente, conocida como imagen de video.

3. - El visor, que muestra lo que el objetivo capta y permite al operador de cámara verificar la imagen.

4. - El modo en que sujeta la cámara.

5. - Las fuentes de alimentación de la cámara.

6. - El micrófono, que a menudo incorporan las cámaras portátiles, se incluye para recoger el sonido ambiente.

7. - Los controles auxiliares, que afectan la calidad de imagen.


La cámara básicamente se compone por:

1. - Micrófono.
2. - Parasol o visera.
3. - Apertura del diafragma. Si es semi automática se llama Iris.
4. - Mando de Foco.
5. - Mando de Zoom
6. - Ajuste de Balances de Blancos.
7. - Ganancias de Video (0db, 6dB, 12 dB).
8. - Filtros de compensación del color: 3200 ºK, 5600 ºK, 5600 ºK + 12,5%, ND y cerrado.
9. - Salidas de video, de audio, parlantes, energía.
10. - Visor o viewfinder.
11. - Baterías.
12. - Dioptrías del visor.

Transformación de la Imagen Luminosa en Señal de Video

La imagen luminiosa se transforma en señal electrica o señal de video en el tubo de la canmara hoy reemlzado por el chip integrado denominado CCD o Couple Charge Divice.

En las cámaras a Blanco y Negro Existía un solo tubo mientras que las de color existen tres tubos. Uno para cada color primario. Rojo , Verde y Azul.

El tubo Catodico es una ampolla de cristal en la cual se ha dejado un vacio en su interior. Dentro estan los electrodos que se conectan al exterior por contactos metálicos.

Uno de estos electrodos es el mosaico sensible, pequeña placa llena de elementos microscopicos sensibles a la luz, que transforman las variaciones luminosas de su superficie en variaciones de carga electrica.

El mosaico es equivalente al negativo o placa fotográfica sensible en la pelicula fílmica.

En la superficie de este mosaico es donde se produce la transformacion de imagen luminosa a cargas electricas sobre su superficie.

La imagen luminosa enfocada por el objetivo sobre el mosaico sensible creará en el una imagen de cargas positivas en cada punto proporcionales a su luminosidad.

Esta imagen debe ahora explorarse, es decir convertirse en una señal de carácter continuo que lleve la informacion en forma de corriente electrica.

Esta exploracion se realiza con el cañon haz electronico del tubo.

En ese momento se produce un barrido de izquierda a derecha y de arriba hacia abajo en forma horizontal a traves de una cierta cantidad de lienas que determinaran su nitidez..

Ahora bien el ojo humano necesita sobre 16 cuadros o imagenes por segundo para apreciar mpvimiento. Para ello se ha tomado la cifra de cuadros por segundo en NTSC cuyo valor proviene de hacerla submultiplo de 60 equivalente a la cantidad de campos que han sido explorados.

Tipos de Transmisión :

1.- Programas a través de ondas hertzianas o electromagneticas.

2.- Televisión por Cable. Programas propios o captados por satelite son transmitidos via cable coaxial o fibra optica hacia el lugar de destino. El ancho de banda de un cable normal perimte transmitir la señal de más de 60 canales simultaneos.

3.- Transmsion de programas a través de internet. La señal obtenida o registrada mediante un sistema analogico que podría ser un camcorder comun es tranaformado o en jerga “subido” a digital por medio de una tarjeta capturadora de video que comprime la señal emitida y la transforma a numeros binarios. Luego esta imagen en procesada en un software de edicion no lineal que puede ser un adobe premier o un director para volver a comprimirla y gauardarla en un disco, en un CD Recordable, en un DVD, digital Versatile Disc, etc. Lo más común es guardarlo en disco y colocarlo en un servidor en demanda al que se puede acceder via internet utilizando un software especial que puede ser Real Video, Vivo Player, QuickTime, etc.

La señal viaja a través de la linea telefónica. A una velocidad determ,inada por el tipo de Modem que uno poseea.

4.- Transmision de video conferencias. A través de modem o via conexiones ISDN o RSDI que se habilitan especialmente para estos efectos y cuentan con un computador destinado a ello.

5.- Transmsision a traves de satelites y abntenas parabolicas. Son satelites geoestacuionarios que transmiten programacion de los caneles en foma digital y por tanto pueden codoificar las eñales danod paso a nuevas formas de comercialización como el pay per view o los llamadaos paquetes de programcaio. Ej. Direct TV y SKY .


RELACION ENTRE LENGUAJE AUDIOVISUAL Y LAS EMOCIONES NARRATIVAS

La comunicación Audiovisual como Lenguaje de Emociones se define como:

“ Conjunto de signos y símbolos integrados a un sistema de relaciones y que permiten la comunicación”.

RELACION ENTRE LA ESTRUCTURA AUDIOVISUAL Y LA ESTRUCTURA LITERARIA

- TOMA – PALABRA
- ESCENA – FRASE
- SECUENCIA – CAPITULO
- PELICULA – TEXTO
- FILM – NARRACION
- HISTORIA – RELATO

La palabra imagen para los griegos significaba fantasma. Algo que va más allá de lo visible.

La detonación es la imagen misma. La connotación es la interpretación que de ella puede hacer aun persona.

EL MOVIMIENTO EN EL LENGUAJE AUDIOVISUAL

La fragmentación del tiempo en el Lenguaje audiovisual es posible gracias al concepto de Persistencia retiniana, es decir la imagen persiste por un tiempo definido en la retina. La Gestalt explica como se comprende perceptualmente esta imagen captada.

El cine fragmenta el tiempo en 24 fotogramas por segundo. Antes se realizaban 16 por seg.

El video en cambio fragmenta 30 cuadros por seg.

EL CUADRO ES LA UNIDAD MINIMA DE SELECCIÓN. Es una representación que tiene limites.

El cuadro define un espacio que se denomina campo.

Este campo representa un espacio que se proyecta hacia el interior del cuadro.

LA COMPOSICIÓN es la manera como se va a disponer de la imagen dentro un cuadro de manera de que llamen la atención.

TEORIA DE LAS LINEAS DE COMPOSICION

- LINEAS VERTICALES – FUERZA O VIGOR
- LINEAS HORIZONTALES – PLACIDEZ
- LINEAS CURVAS – CALIDEZ
- LINEASDIAGONALES – CRISIS


LOS TONOS SE DEFINEN COMO BRILLOS, CLAROS, BLANCO Y NEGROS, OSCUROS

LOS COLORES PUEDEN SER FRIOS, PRIMARIOS, SECUNDARIOS, ROJOS Y AZULES.

LAS LEYES DE COMPOSICION


La unidad es la matriz de este concepto y se refiere a la figura y su fondo.

Los puntos de interés deben estar centrados en una imagen. No deben ser monótonos, deben tener armonía y variedad. No deben proponer simetrías.

Las proporciones en TV son de 3 a 4.

En esta proporción se deben intercalar los puntos de tensión o `puntos fuertes. En ellos el telespectador debe concentrar la mirada.

MANEJO DE CAMARA:

La cámara esta compuesta por un:

Visor: Donde se pueden observar las imágenes y cuenta con distintas dioptrías.

Iris o diafragma que permite la entrada demás o menos luz por el lente.

Shutter u obturador que regula las velocidades.


Introducción al Video

El video, como instrumento tecnológico ha tenido un desarrollo enorme en cuanto a la masividad de su uso y alcance. En los diferentes ámbitos del quehacer nacional (social, educativo, cultural, económico, político, etc.), el video está presente, ya sea como producto o como producción. Es un medio masivo, de bajos costos, de gran potencial comunicacional y al alcance de prácticamente todos los sectores.
Como instrumento de comunicación, el video debe permitir comunicar – poner en común -, es decir, compartir, intercambiar ideas o sentimientos con un público determinado, que puede ser amplio o específico. Para lograr esto, debemos ser capaces de elaborar un mensaje claro y entendible para un público determinado. A la vez, debe ser sugestivo y atrayente, para llamar la atención y mantenerla. Debe poder llegar a todos los ámbitos del conocimiento y la percepción humana, tanto al conocimiento racional y objetivo así como al conocimiento emocional y subjetivo. Pero el potencial comunicacional no se refiere solo al conocimiento. Un video bien hecho debe también provocar reacciones en lo espectadores, reacciones físicas, emocionales o psicológicas.
Como instrumento educativo, el video debe facilitar el desarrollo de un proceso comunicacional entre el profesor y los alumnos; no puede reemplazar a aquél, sino servir a éstos para que puedan asimilar contenidos a partir de la discusión grupal construir y desarrollar nuevos conocimientos y actitudes.
Como instrumento de creación, un buen video debe proyectar una mirada original, atrayente y sugestiva sobre el o los temas a tratar. Ser creativos en el tratamiento y combinación de imágenes y los sonidos.

El componente comunicacional
El modelo clásico de comunicación concibe a un receptor, un emisor y un mensaje, sujeto a una retroalimentación según el siguiente esquema:

EMISOR MENSAJE RECEPTOR


RETROALIMENTACIÓN

Sin embargo, este modelo es demasiado simple para dar respuesta a los innumerables componentes y variables que afectan el proceso de la comunicación. Por lo tanto, debemos concebir a un sujeto emisor y un sujeto receptor que interactuan en un contexto determinado, en el cual se realiza la transmisión del mensaje. Este contexto –universo físico, sociedad, cultura, etc-, además de las experiencias propias del emisor y del receptor influirán en la codificación y decodificación del mensaje.
La comunicación, tal como la vivimos, debe entenderse en toda su dimensión como una relación de diálogo y no de un simple traspaso de la información entre emisores y receptores. Se enfatiza así la relación de interlocución, de “poner en común” los mensajes. (Calvelo, 1994)
La efectividad de la comunicación será mayor mientras más cercanos sean los contextos en los que ambos se muevan. Por ello, al analizar las acciones comunicativas o proponer estrategias para ponerlas en común, deben tomarse en cuenta los individuos que participan en él, considerando el “contexto social natural” donde se produce o producirá este proceso.

Opciones educativas
Así como la comunicación presenta múltiples variables y factores que influyen en su efectividad, la educación tampoco se presenta como un proceso de una sola vía, sino que puede adoptar diferentes formas.
El educador brasileño J. Díaz Bordenave, distingue tres modos entre los cuales optar, aunque advierte que es difícil que se den en estado puro:

i) La educación que pone énfasis en los contenidos:
Corresponde la forma tradicional basada esencialmente “en la transmisión de conocimientos y valores de una generación a otra, del profesor al alumno, de la élite a las masas”. Tiende a ser vertical, generalmente autoritaria y muchas veces paternalista. El profesor, el instruido, “el que sabe”, acude a enseñar al “ignorante”, al que “no sabe”. Las consecuencias son claras:
§ Se premia la memoria, la pasividad
§ Se fomenta la no conciencia crítica
§ El alumno acata, sólo escucha

ii) La educación que enfatiza en los resultados:
Fue pensada como una solución para los países pobres, ya que se trata del traspaso puro de resultados para lograr niveles de desarrollo. La educación deberá estar al servicio del crecimiento de la productividad, para lo cual deberán introducir nuevas tecnologías. Los medios de comunicación son utilizados para instrumentalizar este cambio y cumplir una labor permanente y penetrante de persuasión. Este sistema no procuraba el desarrollo autónomo del hombre, sino que investiga los mecanismos para poder persuadirlo y conducirlo más eficazmente. No contribuye a la creatividad, la originalidad ni la conciencia crítica, no interrelaciona a la persona con su cultura ni su medio ambiente.

iii) La educación que enfatiza en los procesos:
Pone a las personas y a la comunidad en primer lugar. Lo que importa es la interacción dialéctica entre las personas y su realidad, desarrollando su intelecto y su conciencia. Aquí el alumno problematiza. Metodológicamente, Díaz Bordenave dice que “la comunicación y la educación tienen por objeto ayudar a la persona a problematizar su realidad, tanto física como social. Se busca estimular la inteligencia del hombre”. Lo importante es que el sujeto aprenda a aprender, que se haga capaz de razonar por su cuenta, y que pueda desarrollar su propia capacidad deductiva.


Uso del video
Usualmente confundimos la palabra video al hablar de 3 cosas distintas:

1. Del aparato que registra y reproduce señales eléctricas correspondientes a imágenes y sonidos. También se denominan VTR (Video Tape Recorder) o VCR (Video Cassette Recorder), diferenciándose sólo en su calidad profesional.
2. De la cinta propiamente tal,
3. De la cámara registradora de imágenes y sonidos (si se tiene un micrófono).


Componentes de la cámara:

Los elementos que permiten captar los rayos luminosos son similares a los de una cámara fotográfica:

1. Objetivo: Permite captar y proyectar nítidamente la imagen exterior sobre una superficie fotosensible. Casi todos los modelos recientes incorporan un automatismo de enfoque basado en la obtención del máximo contraste en el centro de la imagen. De esta manera, no le afectan tomas sobre espejos, a través de cristales o en la lluvia o niebla. Sin embargo, este sistema no permite realizar buenos encuadres, en los casos en que el sujeto está muy distante y con poca luz (y no está al centro del cuadro).
2. Zoom: Objetivo de distancia focal variable. El efecto más perceptible para el usuario es que permite alejar y acercar objetos y sujetos que permanecen fijos, sin necesidad de desplazar la cámara. Funciona manualmente.
3. Diafragma o iris: Regula el paso de la luz. Generalmente este dispositivo es automático. Algunas cámaras permiten realizar ajustes para las dos situaciones más críticas: contraluces y objetos muy iluminados sobre fondos oscuros.
4. Obturador o shutter: esta función permite variar la velocidad de obturación para captar de manera óptima objetos en movimiento. Esta función también permite eliminar el parpadeo de los tubos fluorescentes.

Por otra parte, es posible manipular esta señal eléctrica mediante una serie de elementos como:

1. Fader: circuito que permite efectuar fundidos y aperturas de negro. Cuando no se dispone de este recurso cabe la posibilidad de efectuar fundidos mediante el uso manual del diafragma.
2. Balance de blancos: Dispositivo que permite ajustar la señal de la imagen a la temperatura de color de la fuente luminosa. La mayoría de las cámaras realizan el balance de blanco de manera automática y además ofrecen la posibilidad de seleccionar iluminación solar o luz halógena.
3. Efectos: Gracias a la digitalización de señales, cada vez pueden realizarse efectos más sofisticados con las cámaras domésticas. La tituladora, permite introducir textos, la fecha y la hora.
4. Visor: Especie de monitor en miniatura incorporado a la cámara que facilita el control del encuadre, del enfoque y en ocasiones de la luminosidad de la imagen. Normalmente es electrónico e incorpora en su pantalla diodos luminosos o textos que informan acerca de la situación operativa en que se encuentra la cámara, la cinta disponible, el estado de la batería, las condiciones de luminosidad, etc.
5. Micrófono: Casi todas tienen uno incorporado y una conexión para otro auxiliar.
6. Freeze frame: También denominado cuadro congelado, que permite detener al guardar en memoria un cuadro de los 30 que tiene cada segundo de grabación en video.


LOS GÉNEROS

a) El documental: como su nombre lo indica, es un documento, un trabajo que da cuenta de una realidad determinada, que puede ser histórica o actual. Presenta un problema o situación e indaga en sus causas y características. Un documental puede tomar muy distintas formas:
§ Documental temático con narrador en off: Al Sur del Mundo
§ Reportaje con conductor y entrevistas: Informe Especial
§ Documental testimonial, sólo con entrevistas: La Batalla de Chile
§ Documental dramatizado, incorpora actores: Laberinto, Mea Culpa

b) Ficción: obra de creación de un autor, con una trama (historia) y personajes interpretados por actores. Ej, todas las películas.

c) Videoclip: obra donde el eje es una canción o pieza musical.

d) Noticiero: espacio con notas informativas, entrevistas y reportajes.

e) Videodidáctico: Obra producida para aportar un conocimiento, motivar el interés e informar sobre temas específicos. No es un género propiamente tal, ya que puede asumir diversas formas o valerse de recursos narrativos de otros géneros.


EL PROCESO DE PRODUCCIÓN

1. Preproducción: Etapa previa al registro en terreno. Esta etapa se caracteriza por un detallado proceso de investigación, revisión de guión, obtención de recursos humanos y técnicos, ubicación de locaciones o lugares a grabar.
2. Producción: Realización en terreno. Grabación y registro audiovisual.
3. Postproducción: Selección y edición de imágenes, musicalización y edición. Termina con la realización de un master, que es la cinta con el programa terminado.
4. Exhibición: ültima etapa del proceso. Aquí se da a conocer el producto o el programa al público y es sometido a su apreciación, obteniendo opiniones y críticas.


LENGUAJE AUDIOVISUAL

El lenguaje audiovisual es un conjunto de signos (señales) que permiten expresar ideas o sentimientos. Como en todo tipo de lenguaje, en el lenguaje audiovisual hay un conjunto de normas, procedimientos, reglas y recomendaciones relativas a ese buen manejo del lenguaje.
La idea es que el realizador combine estos elementos adecuada y creativamente.

Elementos visuales:
§ La luz: agente que nos permite ver los objetos de una manera determinada, puede ser natural o artificial.
§ Los objetos: animados o inanimados
§ El color: policromía, un tono, blanco y negro.
§ El espacio visual: la porción de la realidad que registramos.
§ La profundidad: diferenciación de planos cercanos, medios o lejanos.
§ La textura: forma particular como se ve la imagen original, pueden ser ópticos –lentes, filtros- o digitales.
§ La composición: el ordenamiento de los elementos en el encuadre.
§ Imagen en movimiento: movimientos de los objetos, de la cámara, el tiempo (duración de los planos, ritmo de sucesión de planos)
§ El trazo gráfico.



Elementos sonoros:
§ La palabra: monólogo, diálogo, en Off.
§ Ambiente sonoros: sonidos ambientales, efectos de sonido (sonidos grabados, alteración de sonidos)
§ Música
§ Silencio
§ Espacio sonoro: profundidad sonora (planos cercanos, medios, lejanos)
§ El tiempo: duración de los sonidos.


ESCALA DE PLANOS

Un plano es un fragmento filmado o grabado. Cuando un plano es cortado en el montaje y se pasa al plano siguiente, cambia la posición de la cámara y las dimensiones del plano.
Una toma es el material grabado desde que se aprieta el botón REC para comenzar a grabar, hasta que se oprime nuevamente el botón para suspender la grabación.
Un plano es una toma determinada por la distancia. Así, tenemos planos lejanos y planos cercanos. Existe una manera convencional que dan cuenta de diversas porciones de la realidad, sujeto u objeto que se está grabando.


Los planos se ordenan en la llamada Escala de Planos:

Gran plano general (GPG): Muestra el conjunto de un escenario, un amplio paisaje. Prima el escenario sobre los personajes.

Plano de Conjunto (PC): Muestra a un grupo de personajes o a un personaje en su contexto. Priman los personajes sobre el escenario.

Plano entero (PE): Muestra a un personaje de cuerpo entero.


Plano americano (PA): Muestra al personaje desde las rodillas hacia arriba.


Plano Medio (PM): Muestra al personaje de la cintura para arriba.


Primer plano o plano de hombros (PP):muestra al personaje de los hombros hacia arriba


Primerísimo primer plano (PPP): Muestra el rostro de un personaje, cortando la cabeza y la barbilla


Plano detalle (PD): Muestra el detalle del rostro, de una parte del cuerpo o de un objeto.
ANGULOS DE TOMA:

Los ángulos se refieren a la perspectiva “desde donde se mira la cámara”. La cámara puede desplazarse horizontalmente, para “ver” desde una lado a otro; o verticalmente, para ver desde arriba, desde abajo o a nivel normal.

Angulos horizontales:

a) De frente. También desde atrás, porque el ángulo es el mismo.

b) De perfil. (izquierdo o derecho, es el mismo ángulo)

c) De ¾ (oblicuo, marca la perspectiva)

Angulos verticales:

a) Desde arriba o picado

b) A la altura o sujeto normal

c) Desde abajo o contrapicado

ENCUADRE

La composición de una imagen no es un efecto estético destinado a emocionar o sorprender, sino que engloba un conjunto de factores cuya función es doble: dirigir y mantener la atención del espectador hacia un tema particular.
Esto implica una opción deliberada –y no casual- en cuanto a la disposición de los diferentes elementos dentro del cuadro de la imagen.

La regla de los tercios:

Consiste en dividir (mentalmente) el cuadro de la imagen en dos líneas horizontales y dos líneas verticales.

Esta rejilla imaginaria nos da indicaciones valiosas, sobre todo en el caso en donde la escena tiene una acción estática. Así se pueden crear imágenes que producen un efecto de profundidad.
LOS MOVIMIENTOS DE CÁMARA

Dejar la cámara en forma estática generalmente resulta aburrido para el espectador. Por esta razón se incluyen los movimientos de cámara, debido a que ofrecen numerosas perspectivas para los diversos puntos de vista de la cámara en traslación o movimiento sobre su eje de gravedad.
La cámara se mueve para mantener o enfatizar la continuidad de la propia acción, ya sea girar el rostro, desplazarse, fijar la vista o acomodarla a los diversos planos de observación.
Existen diversos tipos de movimientos:
1. Paneo o panorámica: Se realiza sobre el eje de gravedad de la cámara, rotando sin traslación alguna. Este movimiento es equivalente al giro que realiza el ser humano al mirar de un punto de vista a otro rotando la cabeza cuando sigue algún movimiento, o cuando cambia el punto de atención.
2. Tilt: Es igual al paneo pero en sentido vertical. Es un movimiento de balancín o pivoteo sobre su eje vertical. Esto quiere decir, “picar” (apuntar hacia abajo) o hacer un tilt-down o bien, “contrapicar” (apuntar hacia arriba), a lo que también se le denomina tilt-up.
3. Truck o travelling: Corresponde a la traslación lateral de la cámara de un punto a otro. Se debe indicar si el movimiento se realiza hacia la derecha o hacia la izquierda de la pantalla, especificando si es en línea recta lateral o incluso, si es en arco o curva. Debe asegurarse que durante la toma en movimiento exista una persona u objeto que ayude a lograr la sensación virtual de traslado. Si esto no se cumple, podría confundirse con un paneo.
4. Dolly: Movimiento de traslación de cámara en avance (dolly-in) o retroceso (dolly-back). Se debe hacer incapié que es un movimiento de cámara y no uno de lente o zoom.

RECOMENDACIONES PARA LOS MOVIMIENTOS DE CÁMARA

1. Todo movimiento de cámara tiene que tener un propósito, un objetivo definido antes de comenzar a grabar.
2. Deben tenerse definidos antes de realizar el movimiento, teniendo en cuenta un objetivo inicial, la dirección del movimiento y un objetivo final.
3. Comenzar por la toma fija (objetivo inicial), realizar el movimiento y terminar con otra toma fija (objetivo final).
4. Se debe recordar que las cámaras tienen un retardo en comenzar a grabar desde el momento en que se le aprieta el botón. Es por esto que se debe dejar un margen de seguridad de unos diez segundo al comenzar y al terminar la toma.
5. El movimiento debe ser parejo, continuo, estable y sin saltos.
6. La velocidad dependerá del plano que estemos grabando (si es más o menos abierto). Un movimiento en plano cerrado deberá ser más lento que en plano abierto.
7. Es recomendable hacer los movimientos de cámara con trípode.
8. El camarógrafo deberá evitar los segundos planos sobrecargados de detalles y nocivos para la claridad de la composición y para la comprensión de la situación.


SONIDO

Los elementos sonoros se pueden clasificar en:
a) La palabra: puede aparecer como parte de un diálogo o conversación, en las entrevistas y en la locución (o narración).
b) Ambientes sonoros: Son los sonidos que surgen de la realidad que está frente a la cámara. Servirán de acuerdo a su uso como elemento narrativo.
c) La música: Toda frase o tema musical que utilicemos para acompañar la acción o resaltar algún sentimiento o emoción del espectador.
d) El silencio: Es el elemento sonoro más dramático. Sirve para llamar la atención del espectador o para hacerlo concentrarse en el contenido visual de la escena.

ILUMINACIÓN

Se deben tener en cuenta tres variables de iluminación durante la grabación de las imágenes:
a) Cantidad: Intensidad de iluminación reflejada en la potencia del foco a utilizar. Se puede aumentar o disminuir la intensidad luminosa de un foco cambiando la distancia entre éste y el elemento iluminado.
b) Dirección
c) Cantidad de luz


¿QUÉ HACER LUEGO DE GRABADAS LAS IMÁGENES?

Ya grabadas las imágenes, se comienza con el proceso de post-producción. La primera etapa consiste en hacer una completa identificación de todo lo filmado. A esto se le denomina también alturación ya que al momento de identificar las imágenes se deben ir registrando la posición en que éstas se encuentran de manera de facilitar pérdidas de tiempo al momento de editar. Es importante identificar el número de cinta, el tiempo de registro en que se encuentran las imágenes con sus respectivas duraciones y sonidos.
La ejecución de la alturación se realiza mirando el material en un VCR con contador, poniendo pausa y anotando.
Un ejemplo de una hoja de alturación es la siguiente:


TABLA DE ALTURACIÓN

Nº de Cinta

Altura-Tiempo
Hr-Min-Seg Imagen Sonido

0, 23, 57

1, 25, 07


Paneo de una joven por la orilla del río



Primer plano de la joven quien contesta a una pregunta
Ruido de niños jugando y de personas conversando. Gente caminado cerca de la joven.

“Los universitarios, solimos salir lo fines de semana…”



EL GUIÓN

Es la expresión escrita de lo que se pretende realizar. Es una guía que ordena el desarrollo de los contenidos o el desarrollo de la historia. Un guión se elabora por etapas:
· Idea, de la cual surgen las preguntas ¿Cómo? y ¿Para qué? De la realización del video.
· Teniendo clara la primera etapa, se elabora un story line, que es el resumen de la idea en una sola frase de entre una y cinco líneas como máximo.
· Luego de tener el Story line, se procede a elaborar el argumento, en base a personajes, acciones y locaciones.
· Enseguida y luego de una investigación exhaustiva del tema, se elabora la estructura fragmentando el argumento en escenas. Una escena es la unidad básica de la narración audiovisual y está compuesta por una acción con una determinada localización en el tiempo y en el espacio.
· Luego se elabora el tipo de guión que se necesite. Estos pueden ser:
ü Guión literario: Contiene el desarrollo de la historia en términos literarios (presentación, desarrollo, descenlace). Incluye la presentación de los personajes, de los ambientes, de los lugares y las acciones.
ü Guión técnico: Contiene las definiciones específicas para orientar el trabajo de cámara. Descompone las escenas en planos, ángulos de toma, movimientos de cámara, etc. No tiene indicaciones de sonido ni textos, es solo visual.
ü Guión de producción: Plan de trabajo para la producción. Indica los lugares de grabación, los requerimientos técnicos y humanos, sí como los materiales de grabación (vestuario, escenografía, equipos)

LA LOCUCIÓN
Sirve para contar, explicar comentar u orientar al espectador, para dar información complementaria a la imagen. Puede hacer análisis de causas y consecuencias del problema que o tema que se está desarrollando. Se usa también para cambiar de tema, para introducir un nuevo tema. Además es útil para remplazar textos de entrevistas mal realizadas o demasiado extensas, o donde el entrevistado divaga sobre el tema.

TIPOS DE LOCUCION
· Locución en off: escuchamos sólo la voz, sin ver quien la emite. Tiene la ventaja de comunicar en un tiempo breve y de manera clara una gran cantidad de información. Este tipo de narración debe ser impersonal, descriptiva y explicativa, lo que no significa que sea plana o exenta de emocionalidad.
· Narrador-conductor: Vemos al personaje que emite la voz. Es el caso del reportero o el conductor de un programa. Es un tipo de locución más cercana al espectador, más animada y más cálida.
· Narrador-personaje: Es un narrador que pertenece al lugar u historia que se está contando. Aparece como conductor y lo vemos también interactuando.


CONSEJOS PARA LA REDACCIÓN DE TEXTOS

· El texto debe ser claro, preciso, breve, pero sugestivo y atrayente. Se debe tener en cuenta que la televisión tiene la limitante de ser fugaz (el espectador no puede volver atrás si no entendió algo).
· DEJAR HABLAR A LAS IMÁGENES: el texto debe enriquecer las imágenes, completarlas, pero jamás suplantarlas ni repetirlas.
· Tener cuidado con las contradicciones imagen-texto.
· Dejar momentos de aire entre el texto.
· Evitar uso excesivo de adjetivos
· Preferir uso de frases activas en vez de las pasivas.
· Aproximar las cifras si es que éstas son muy largas. En algunos casos es mejor es mejor usar porcentajes o proporciones.

VENTAJAS Y LIMITACIONES DE UN VIDEO

VENTAJAS

· Amplia difusión: Es un medio masivo para fines informativos y de entretención. Llega a todos los sectores sociales, a todas las edades y a personas con distintos niveles educativos.
· Poder de sugestión: Tiene gran fuerza comunicativa, puede llegar tanto a la razón como a los sentimientos.
· Público cautivo: al emplear la imagen y el sonido, mantiene al espectador “amarrado”. Existe poco peligro de distracción o fatiga del espectador.
· Empatía: Gran capacidad de identificación con el espectador, puede responder a diversas necesidades del público y a la vez proyectar una relación de identidad con éste.


LIMITACIONES

· Ausencia de interlocutor: Se desconocen las reacciones del espectador, hay verticalidad del mensaje. No es una clase, donde el profesor ve las reacciones del alumno.
· Fugacidad: El mensaje viene y se va. Si algo no quedó claro no se puede “releer” como en un medio escrito.
· Público condicionado: La TV y los productos de video con sus contenidos y formas, condiciones a los espectadores. Estos esperan ver algo como en la “tele”.
· Condicionamiento de contenidos: Un público que ve un video espera aprender, pero también entretenerse.
· Recursos: Se trabaja con presupuestos muy limitados y con muy pocos recursos técnicos o de equipamiento.


Un video no puede reemplazar a un profesor, es sólo un instrumento complementario en el aprendizaje. Su valor principal, por sobre la entrega de información, está en motivar, despertar inquietudes, tomar conciencia, inducir a cambios de actitudes.

PASOS PARA DESARROLLAR UN PROYECTO DE VIDEO

1. TÍTULO
2. TEMA: De qué trata el trabajo. Definición en general sobre la temática, aunque es preciso acotarla con claridad y precisión.
3. OBJETIVOS: Para qué hacer el trabajo. Que buscamos lograr como resultado del proceso educativo-comunicativo a través de nuestro video.
4. DESTINATARIOS: A quién está dirigido. Aunque un audiovisual es por sus características un medio amplio, es conveniente definir con claridad los destinatarios PRINCIPALES que nos interesan. Esto determinará el lenguaje, la música, el tratamiento de las imágenes, el ritmo, etc.
5. CONTENIDOS: Qué va a incluir nuestro trabajo. Se trata de desglosar el tema general en temas o subtemas específicos. La definición de los contenidos debe ser precisa y limitada a unas cuantas ideas centrales importantes. También es necesario especificar los contenidos en cuanto a recursos a utilizar: títulos, locución, entrevistas, música, conductor, actores, etc.
6. GÉNERO: Es el tipo de video que nos proponemos hacer: documental, argumental, reportaje, entrevista, etc. Podemos plantearnos una combinación de géneros: documental con montaje dramático, clip con entrevistas, etc.
7. ESTRUCTURA: Cómo armar el trabajo. Es el esqueleto que ordena los contenidos: introducción, desarrollo, transiciones, final. Es un esquema por sobre el cual construir el guión literario y el guión técnico.
8. LA PRODUCCIÓN: Recursos humanos y materiales que se necesitarán: roles, equipos, accesorios, transporte, colaciones, vestuario, escenografía, locaciones. Definir días y horarios de rodaje. Definir presupuesto.
EL VIDEO EDUCATIVO


El video educativo, en general, es toda realización en video que apoye y estimule el desarrollo de procesos de promoción humana, que sensibilice o promueva la reflexión y el espíritu crítico, que entregue informaciones u orientaciones para el desarrollo personal, grupal y social.

El video educativo es una herramienta de trabajo que debe formar parte de un proceso comunicacional. Esto implica que el video no sólo debe traspasar o entregar un conocimiento, sino que debe ser capaz de generar un proceso comunicacional circular entre el profesor y el alumno(os).

La propuesta del video educativo pone énfasis en el aprendizaje. Esto significa considerar al educando como un sujeto, el cual rescata el mensaje que le envía el Comunicador/Educador y con ello construye un nuevo conocimiento. Para el educador esto implica ponerse en el lugar del educando, considerarlo no como un receptor pasivo de conocimientos, sino como un sujeto que asimila lo aprendido y construye y desarrolla nuevos conocimientos, aptitudes y habilidades.

El proceso de elaboración de un mensaje educativo con el sentido antes señalado, se basa en el método de las Situaciones Significativas, situaciones, hechos o casos que sean significativos, es decir, deben significar algo para el receptor-sujeto del aprendizaje, que le digan algo, que lo entienda y sea capaz de asimilarlo.

La función que juega el profesor en el aula, apoyado por el medio audiovisual, es extremadamente importante. El video le permite al educador incorporarse a una nueva metodología de educación activo-participativa, que busca poner en común el conocimiento y provocar percepciones, emociones, reflexiones y acciones, a través de la experiencia común de ver, escuchar y actuar.

POTENCIALIDADES DEL VIDEO EDUCATIVO
· Elaborar material de apoyo al Sistema Escolar que permita al educador motivar unidades de su materia.
· Envasar material didáctico para la difusión masiva o el uso extensivo.
· Demostrar a través de la representación de situaciones, modelos de comportamiento frente a determinados problemas.
· Mostrar experimentos o procesos de elaboración.
· Enseñar técnicas y procedimientos
· Motivar a la reflexión y debate sobre determinados temas o materias.
· Despertar el interés o sensibilizar sobre determinadas situaciones, materias o problemas.
· Plantear nuevas interrogantes a un tema tratado o por tratar.

OBJETIVOS DE UN VIDEO EDUCATIVO

Se distinguen dos tipos de objetivos:

a) Objetivos educacionales, referidos a aquellos que constituyen el sentido y los contenidos del aprendizaje: qué se quiere enseñar, qué se quiere compartir, qué se quiere comunicar a los educandos. Algunos de éstos son:
· Informar y explicar: desarrollar contenidos de manera formal y sistemática, sin que esto signifique que sea aburrido o poco creativo.
· Motivar y animar: provocar emociones y afectos. Intenta influir, para provocar cambios en actitudes.
· Evaluar: a través de la confrontación entre los conocimientos contenidos en el video y el que está presente en los alumnos.
· Estimular la expresividad y la creatividad: permitir la expresión y la comunicación de las propias ideas, sentimientos, emociones y aspiraciones de manera creativa e innovadora.
· Facilitar la autoindagación: facilita el autoconocimiento y así la corrección de conductas o actitudes.
· Tomar conciencia: apoyar el desarrollo de personas libres, críticas y responsables.

b) Objetivos comunicacionales, que son los referidos a los resultados o impacto que queremos lograr (sensibilizar sobre algún problema, motivar a la acción. Es la forma o modo cómo nuestro video busca cumplir los objetivos comunicacionales propuestos. Dentro de éstos, destacamos:
· Entregar información relevante: Discriminar, decidir, elegir qué información vamos a incluir y cuál quedará fuera (hay que ser breve y preciso)
· Mostrar las ganancias y las pérdidas: presentar de manera clara y entendible lo que los destinatarios pueden ganar o perder al persistir o cambiar de actitud.
· Promover la identificación. Es el “que llega” al público. Esta identificación con el tema o situación puede ser a nivel personal, social, de género, de grupo, etc.
· Identificar las resistencias: hacer aparecer los problemas que entraban el accionar del grupo, mostrar las actitudes que dificultan el desarrollo grupal y personal.
· Motivar al cambio de conducta: llamar la atención, apelar a la necesidad de cambiar o modificar hábitos o actitudes.
· Sensibilizar, seducir, motivar: lograr alguna reacción del telespectador.